Warning: Trying to access array offset on false in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 90

Warning: Trying to access array offset on null in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 90

Warning: Trying to access array offset on false in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 91

Warning: Trying to access array offset on null in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 91

Warning: Trying to access array offset on false in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 92

Warning: Trying to access array offset on null in /var/www/u0981459/data/www/iskusstvoestetika.ru/wp-content/plugins/adsplacer/adsplacer.php on line 92

Модерн — художественный стиль в искусстве, который возник в конце 19 века и царил вплоть до начала Первой Мировой войны. Блистательный взлет стиля модерн длился немногим более десятка лет, однако на рубеже 19-20 веков его органические формы преобладали во всех направлениях изобразительного искусства и дизайна.

Яркие представители стиля модерн:

• Густав Климт (14 июля 1862 — 6 февраля 1918);
• Эгон Шиле (12 июня 1890 — 31 октября 1918);
• Альфонс Мариа Муха (24 июля 1860 — 14 июля 1939);
• Анри де Тулуз-Лотрек (24 ноября 1864 — 9 сентября 1901);
• Михаил Врубель (5 (17) марта 1856 — 1 (13) апреля 1910);
• Амедео Модияльни (12 июля 1884 — 24 января 1920);
• Леон (Лев) Бакст (27 января 1866 — 28 декабря 1924);
• Анри Руссо (21 мая 1844 — 2 сентября 1910);
• Ян Тороп (20 декабря 1858- 3 марта 1928);
• Фердинанд Ходлер ( 14 марта 1853 — 19 мая 1918).

Этот стиль имел совершенно разные названия:

• во Франции — «Aр-нуво» (фр. Art nouveau — «Новое искусство») ;
• в Англии — «Современный стиль» (англ. Modern style);
• в Германии — «Югендштиль» (нем. Jugendstil — «Молодой стиль»);
• в Австрии, Чехии и Польше — «Сецессион» (нем. Secession — «Отделение, обособление»);
• в Шотландии — «Стиль Глазго» (англ. Glasgow style);
• в Бельгии — «Стиль двадцати» (фр. Style vingt — по наименованию «Общества XX», созданного в 1884 году);
• в Италии — «Стиль Либерти» (итал. Stile Liberty);
• в Испании — «Модернизмо» (исп. Modernismo);
• в Нидерландах — «Новое искусство» (нидерл. Nieuwe Kunst);
• в Швейцарии — «Еловый стиль» (фр. Style sapin);
• в США — «Стиль Тиффани» (англ. Tiffany’s Style — по имени американского художника Луиса Комфорт Тиффани);
• а в России — «Модерн».

Сам термин «модерн» был впервые использован в 1894 году в бельгийском журнале «Современное искусство» (фр. L’Art Moderne) бельгийским писателем Эдмоном Пикардом для описания художественного произведения Генри ван де Вельде — одного из участников художественного объединения «Общества XX».

Характерные черты:

Декоративность, плавность линий и округлость форм, их гибкость и текучесть. Также в модерне вы найдете обилие орнаментов и украшений, внимание к растительным, природным мотивам, а фигуры будут плоскими, как на плакатах и витражах.

Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.

Фирменным знаком линии модерна стала вышивка «Удар бича» (нем. Peitschenhieb). Этот термин появился в результате узора на вышивке портьеры 1895 года «Альпийские фиалки», созданного по рисунку швейцарского художника Германа Обриста. Вышивка с изображением петлеобразно изогнутого стебля цикламена. Критики сравнили это с «яростными изгибами обрушивающегося бича».

Начало

26 декабря 1895 года выходец из Германии и торговец картинами Зигфрид Бинг открыл в Париже художественную галерею «Maison de l’Art Nouveau» и вошедшая в историю искусств как Дом Бинга. Бинг пригласил молодого и тогда еще непризнанного бельгийского архитектора Анри Ван де Вельде спроектировать четыре торговых зала. Необычность выставленной там мебели разделила художественный мир Парижа на два лагеря. Один представляли поставщики стилизованных изделий, рассчитанных на консервативные вкусы, сохранившие верность традициям; в другом были молодые художники, следовавшие английскому движению «За объединение искусств и ремесел», а также экспериментировавшие самостоятельно. На первом же вернисаже было выставлено богатейшее собрание живописи, скульптуры, графики, керамики, художественного стекла и мебели, поражавшее разнообразием стилей. Однако при всей этой пестроте у многих выставок галереи были две общие черты: отказ от традиционного реализма в пользу символической экзотики и преклонение перед декоративным потенциалом хлестких, словно удар бича, линий. В отличие от двух ранее открытых магазинов Бинга, деятельность новой галереи была сосредоточена уже не на японском искусстве, а на искусстве современном. Выставлялись и продавались работы художников из группы «Наби», Тулуз-Лотрека, изделия из стекла работы Луиса Тиффани, а также разные предметы интерьера, ткани и обои Морриса, мебель Ван де Вельде и других художников и дизайнеров. Со времен Возрождения в западном искусстве безраздельно господствовал реализм. Вся власть реализма сделала станковую живопись до положения «царицы искусств», отодвинув в тень декоративные и прикладные жанры, поэтому самые даровитые художники тяготели именно к ней. Как результат, прикладные искусства и характерная для них абстрактная орнаментика оказались на задворках , и к середине 19 века образовалась настоящая пропасть между станковыми живописцами, которых считали истинными художниками , и прозябавшими на положении ремесленников мастерами декоративного искусства. 

Искусства и ремесла 

Перелом в этой тенденции, сыгравший решающую роль в становлении модерна, был по сути, делом рук одного человека — Уильяма Морриса (1834-1896). Негодуя на безвкусицу массового “ширпотреба”, Моррис полагал, что искусства и ремесла неразделимы и все окружающие человека предметы должны быть отмечены печатью художника. Овладев профессиями краснодеревщика, стеклодува и печатника, Моррис основал в 1860-х гг мастерские , в изделиях которых проявилось творческое слияние искусств и ремесел. Сам Моррис не знал себе равных в создании орнаментов для шпалер и обойных тканей, черпая вдохновение в растительных мотивах живой природы. Одним из сподвижников Морриса был Эдвард Берн-Джонс ( 1833-1898), чей декоративный стиль сформировался под влиянием прерафаэлитов. Тонкое изящество линейных плетений Берн-Джонс перенял у средневековых иллюминированных манускриптов. Будучи прямым следствием работы мастера в черно-белой книжной графике , эта манера ярко проявилась  и в его живописных произведениях, орнаментальные эффекты которые были совершенно чужды царившему академизму. Движение искусств и ремесел оказало могучее влияние на развитие стиля модерн. 

Удар бича

В других уголках Европы художественные устои подверглись атаке с совершенно иных позиций. Поставив под сомнение эстетические ценности импрессионизма, художники 1880-1890 гг выплеснули на полотно обуревавшие их идеи и чувства. Вырвавшись из пут зримой реальности, приверженцы символизма и члены группы “Наби” заполнили подчеркнуто двухмерное живописное пространство вихревым буйством красок и, подобно Моррису и Берн-Джонсу, широко использовали пластическое богатство линейного рисунка. В 1891 году студию Берн-Джонса посетил 19-летний Обри Винсент Бердслей  (1872-1898), чтобы показать мэтру свои рисунки. Под впечатлением увиденного Берн-Джонс предложил юноше создать серию из 350 иллюстраций к роману Томаса Мэлори “Смерть Артура”. В них ярко проявлялось не только увлечение автора эстетикой средневековья, но и влияние элегантной простоты японской графики. Типичные декоративные эстампы Обри с испытало сильное влияние японской ксилографии с ее безупречной точностью штриха.  К 1893 Бердслей довел до совершенства свой неповторимо изысканный стиль, выполнив иллюстрации к трагедии Оскара Уайльда “Саломея”. В лаконичном жанре черно-белой графики он создал пленяющие утонченным эротизмом образы , взяв на вооружение твердую линию рисунка и сложное сплетение форм. Мастер не признавал полутеней — только черные и белые плоскости, разделенные причудливыми изгибами линий. 

Становление стиля

Творчество Бердслей произвело фурор в мире искусства, и его волнообразная линейная графика начала проявляться в работах художников, дизайнеров и архитекторов все й Европы. Именно в такой манере создавал свои декоративные полотна голландец Ян Тороп (1858-1928) , в т.ч. пронизанных тревожным символизмом “трех невест” 1893, а в берлине норвежец эдвард мунк 1863-1944 сумел выразить всю бездну отчаяния в картине “крик” 1893.

В архитектуре одним из величайших представителей нового стиля стал Виктор орта (1861-1974) , обратившийся к методам дизайна для изучения конструктивных возмодностей сткла и стали в серии возведенных в брюсселе особняков, отелей и офисных зданий. Одним из его первых творейний был особняк Тассель, где ритмика хлестких, как удар бича , линий превращает простую конструкцию жилого дома в гармоничную художественную композицию. Впервые возникающий в фасаде подвижный растительный мотив пробегает через вестибюль  на главную лестницу , рассыпается по стенам , потолкам , паркету и перилам, повторяясь отголосками в чугунном литье, лепнине и росписях. 

 

Органические линии

 

В домах Виктора Орта линейная графика Бердсли превратилась в органическую пластику ползучих лиан. Этот стиль с успехом подхватил парижский архитектор Гектор Гимар 187-1942, снискавший известность проектами станций парижского метро. Даже самые простые из них вырастают из земли литыми чугунными стеблями, смыкаясь арками над входом. Этот органический стиль довел до головокружительных высот знаменитый испанец Антонио Гауди 1852- 1926, чьи феерические творения украшают улицы Барселоны. Если его ранним проектам, “Каса Висенс” 1878-1880, присущи геометричность декора и отголоски мавританского  стиля, то в позднейших работах конструктивные и декоративные элементы сплетаются в извилистые , текучие , растительные формы, и кажется , будто здание выросло за ночь, как сказочные гриб. В признанном шедевре Гауди- незавершенном соборе Ла Саграда Фамилиа (Святое Семейство) — органическая концепция инженерной конструкции придает зданию облик живого существа . Возведение собора началось в 1884 году, но при жизни автора был закончен лишь один из 4х фасадов. Гауди был одним из немногих зодчих, чье богатое образное видение и неисчерпаемая фантазия позволяли строить здания, от порога до крыши выдержанные в стиле модерн.

Что касается интерьера и мебели, то малые форсы и более податливые материалы вдохновляли мастеров модерна на более тщательную и продуманную отделку , и такие дизайнеры, как Хенри Ван де Велде 1863-1957, создавали эффектные эскизы предметов внутреннего убранства: письменных столов, подсвечников, светильников и с толовых приборов. Столь безудержный полет фантазии был далеко не всем по вкусу . Последователь Морриса Уолтер Крейн называл модерн “странной декоративной моделью”, и многие находили уродливыми гротескные образы Бердсли, Мунка и Тропа, утрированные формы Гимара и Гауди. 

 

Школа Глазго

 

В творчестве Чарльза Ренни Макинтоша (1868-1928) нашлось выражение для изысканно-сдержанной японской грани модерна, чем эксперименты Бердсли и его последователей. Вместе с женой Маргарет Макдональд, ее сестрой Фрэнсис и мужем сестры Гербертом Макнейром Макинтош создал утонченный, холодный, прямолинейный стиль в архитектуре, декоре и мебели. “Четверка” работала главным образом в Глазго, реализуя такие проекты, как “Ивовые чайные комнаты”, стены которых украшены в японском стиле женскими фигурами , вплетенными в стилизованные растительные мотивы на плоском монохромном фоне. Те же изысканные растительные мотивы повторяются в очерченных вертикальными металлическими переплетами дверных витражах, мебели и светильниках чайных комнат. 

С особой силой этот стиль проявился в самом крупном творении Макинтоша — здании Школы искусств в Глазго. Вся его конструкция монументально сурова и практична, ничем не напоминая органичные  формы Гимара и Гауди. Впрочем, и здесь есть стилизованные растительные мотивы возникают в очертаниях декоративного литься. Прямолинейный стиль Макинтоша и его соратников оказал сильное влияние на творчество австрийского живописца Густава Климта 1862 — 1918, едва ли не самого последовательного живописца стиля модерн. В своем самом известном полотне Климт окружил созданную “ четверкой” вытянутую женскую фигуру мерцающим узором абстрактных форм и многоцветием красок с металлическим отблеском, приводящих на память полихромную стенную керамику Антонио Гауди. Обратившись к технике мозаики, Климт добился ослепительного эффекта в своих фресках для дворца Стокле в Брюсселе (1905-1911)

Густав Климт (14.07.1862 – 6.02.1918) 

„Кто хочет узнать обо мне как о художнике, должен внимательно изучать мои картины и пытаться узнать из них кто я такой и что я хотел.“ Г.Климт

Климт был ведущей фигурой так называемого Венского Сецессиона, художественного направления, сторонники которого восстали против установленных концепций искусства и создали свой стиль, похожий на модерн. Хотя австрийский художник часто шокировал искусствоведов своими нетрадиционными и провокационными методами в конце концов стал рассматриваться как один из лучших художников Европы. 

 

Ключевые работы:

«Поцелуй», «Портрет Адели Блох-Бауэр», «Девы», «Три возраста женщины», «Юдифь и голова Олоферна (Юдифь I)», «Бетховенский фриз», «Жизнь и смерть» и др

 

«Поцелуй»,1907—1908г. Самая известная из всех картин Густава, представленная в 1908 году публике взволновала искусствоведов, а галерея Бельведер (Вена) сразу же приобрела шедевр в свою коллекцию. Фон выполнен из медной потали, а в роскошных рельефных орнаментальных одеяниях влюблённых помимо золотой фольги использовались серебро и платина. «Юдифь и голова Олоферна (Юдифь I)», 1901г. Картина изображает библейскую вдову Юдифь, держащую отрубленную голову. В «Юдифи» (1901) уже использован золотой фон и впервые сусальное золото. 

 

«Золотой период» — наиболее известный в творчестве Густава Климта. Климт оценил декоративную силу золота и использовал его не только в качестве фона, но и для оформления одежды, волос и орнаментов.

 

«Жизнь и смерть», 1908-1915г. Густав Климт писал символические композиции, портреты, пейзажи в стиле «модерн», подчиняя плоскостные изображения изощрённому орнаментальному ритму, дробному узору из мелких цветовых пятен.

 

Альфонс Мария Муха (24.07.1860 – 14.07.1939) 

 

Ключевые работы:

грандиозная живописная «Славянская эпопея» (20 картин размером 6х8 метров), серия «Времена года», «Зодиак», афиша к спектаклю «Жисмонда». Творчество чешского художника Альфонса Мухи — эталон стиля модерн. Плавные, текучие линии, прекрасные женщины, смешение мотивов Востока и Запада, витражность контуров, выразительные обрамления в виде арок и цветочных гирлянд — все это знаменитый «стиль Мухи».

Излюбленным жанром уроженца Чехии был плакат. 

 

Смысловым центром горизонтально вытянутого панно служит изображение загадочной незнакомки с пленительной улыбкой на устах в обрамлении замысловатого орнамента, составленного из фрагментов фантастических цветов и растений, символических изображений, изысканных переплетений арабесок. «Зодиак»,1896 г. Альфонс Муха виртуозно использовал широкие возможности техники литографии (печать с поверхности камня, обработанного специальным химическим составом) в своих работах. С её помощью он достигал неповторимой игры фактур, усиливающей художественную выразительность произведений, известных сегодня всему миру.«Топаз. Серия Драгоценные камни», 1900г. Создавая афиши для спектаклей, где блистала Сара Бернар, Альфонс Муха изображал на них необычные ювелирные украшения. Примечательно, что хотя Альфонс Муха по праву считается признанным мастером модерна, сам художник не признавал своей близости этому искусству. Он был категорически против того, чтобы его запомнили только по великолепным декоративным произведениям.Вклад в модерн: Альфонс Муха был признанным мастером новых изысканных форм. Его многогранный талант оказал влияние на многих европейских архитекторов, художников, графиков. «Славяне на исконной Родине из серии “Славянская эпопея»,1912г. Работая над «Славянской эпопеей», он надеялся донести до сознания людей свою духовную составляющую, патриотизм, обеспокоенность будущим своего народа. Однако в истории искусств Альфонс Муха навсегда остался мастером совершенных форм.

 

Ян Тороп (20.12.1858 — 3.03.1928 г) 

Ключевые работы: «Три невесты», «Осень», «Бродяги», «Водный мир», «В дюнах около Домбурга». 

Несмотря на модернистскую эстетику, в работах Торопа всегда присутствует ощущение мистического и символического начала.Особенности творческого метода: работал со всеми материалами и художественными техниками: уголь, пастель, масло, карандаши, гравюра на дереве, акварель. Выполнил множество блестящих литографических работ в качестве иллюстратора — большинство из них в стиле ар-нуво. «Песня времени»,1893г. Было высказано предположение, что фигуры с длинными струящимися волосами заимствованы Торопом из культуры родного ему острова Явы, однако они напоминают и о других источниках, влиявших на эклектичную смесь, сформировавшую стиль модерн. 

«Три невесты», 1893г. Персонажи картины Торопа «Три невесты» с их похожими на стебли растений руками напоминают фигурки традиционного кукольного театра острова Явы.  Ещё  Фигуры невесты человеческой ( в центре) , невесты христовой (слева) и невесты смерти смерти в ожерелье из черепов (справа) словно вырастают из причудливой игры волнистых линий.  

 

Помимо живописи Тороп занимался также декоративным творчеством и несколько раз получал от католической церкви заказы на изготовление витражей. Стиль Торопа считали авангардным. Он писал аскетические лица с заостренными чертами. Вклад в модерн: Ян Тороп был автором рекламных плакатов. Но самые важные работы Торопа — это символистская графика и живопись, сюжеты с аллегорическими и мифическими героями, символическими фигурами жизненного цикла. «Бродяги»,1892г. В 1895 году он выполнил свою первую гравюру на дереве, в дальнейшем графика, плакаты и иллюстрации занимали существенное место в его творчестве.

 

Анри де Тулуз-Лотрек (24.11.1864 — 9.09.1901)

Ключевые работы: «Танцы в Мулен-Руж», «Японский диван», «Монруж. Красная Роза», «В постели, поцелуй», «Сидящая балерина в розовых колготках», «Танцовщица, поправляющая трико». “Я рисую вещи как они есть. Я не комментирую. Я делаю запись.”

Под влиянием японской гравюры, увлекается литографией – и создает рекламные плакаты для увеселительных заведений, впервые в западной истории доводя этот жанр до уровня произведения искусства. Афиша «Труппа мадемуазель Эглантин»,1896 г. Огромное количество женских портретов кисти Лотрека – это портреты их ног. Бешено популярный, страстный канкан тому способствовал, конечно. На афишах и живописных портретах Тулуз-Лотрека именно женские ноги часто задают динамику, прочерчивают композицию, ведут за собой взгляд зрителя. «Танец в Мулен Руж», 1890 г. Сатирический взгляд художника на мир театра, ночных кафе, артистической богемы Парижа и опустившихся завсегдатаев притонов находит свое выражение в гротесковом преувеличении, которым он пользуется при написании таких картин, как «Танец в Мулен-Руж» Художник блестяще владеет линией, заставляет ее прихотливо извиваться по контуру модели и по велению момента, создавая произведения, отличающиеся изысканной декоративностью. Особенную выразительность имеют большие одноцветные поля его картин. Вклад в модерн: А. де Тулуз-Лотрек внес большой вклад в становление жанра афиши, его творчество было высоко оценено его современниками. Всего за свою жизнь он нарисовал около 30 афиш («Джейн Авриль в Жарден де Пари», 1893; «Divan japonais», 1893 — обе в Музее Тулуз-Лотрека, Альби), в которых наиболее ярко выразился его великолепный талант рисовальщика.  

 

Эгон Шиле (12.07.1890 — 31.10.1918)

Ключевые работы: «Автопортрет с китайскими фонариками», «Умирающая мать», «Гавань в Триесте», «Женщина, сидящая с согнутым коленом», «Портрет Валли» “Искусство не может быть современным. Искусство изначально вечно.” э. Шиле«Автопортрет с цветами-фонариками»,1912 г.

Основной темой творчества Эгона Шиле была репрезентация человеческого тела. Он пересмотрел взгляды академической живописи, в которых тело выступало в качестве объекта красоты для созерцания. Особенности творческого метода: Стиль художника отличается остротой и нервозностью, выраженными прежде всего в цвете, а точнее в контрастном сопоставлении цветов. Среди работ Шиле есть картины разной тематики, но основной темой у художника была эротика. Рисуя человеческие тела, он старался изобразить внутреннюю суть человека. Эгон Шиле обожал Густава Климта и поначалу даже подражал ему. После их знакомства Климт становится наставником Шиле, помогает ему выставлять его работы. Диалог с работами Климта будет продолжаться во всем творчестве Шиле. «Гавань в Триесте»,1907г. В раннем периоде жизни австрийский художник рисовал пейзажи. Так, первая картина, которую он показал Климту, — «Гавань в Триесте». Она не имеет ничего общего с тем, что Шиле будет наносить на холст позднее: яркие цвета, близость к реализму. При взгляде на нее словно слышишь шум прибоя. Вклад в модерн: Австрийский художник, один из лучших мастеров австрийского модерна. Его живопись и графика, отмеченная нервными цветовыми контрастами, изощренно-гибким рисунком, достигая драматического эротизма, непосредственно предвосхищают экспрессионизм. «Фридерике Мария Беер», 1914 Шиле вдохновлял не только художников. Австрийский ювелирный дом Freywille выпустил сразу две коллекции украшений, вдохновленных его творчеством, — Bohemian Air (по мотивам «Дома с сохнущим бельем») и Dancing Muse (по мотивам «Портрета Фредерике Марии Беер»)

К 1910 году почти все титаны модерна обратились к другим художественным стилям. И всё же несмотря на короткий век модерна, этот стиль оказал огромное влияние на искусство , а его наследие по сей день радует нас.